Contenido de esta sección: |
Cine |
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| ENERO
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Jesús Miguel Sáez González
Critico de Cine
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Mudanza de Pere Portabella |
a Ian Gibson con todo cariño
Existe, cuanto existe, es presencia; al tiempo que nos aproximamos, un lugar. Hacia dentro, las estancias silenciosas del hogar, de un hogar, no puede ser cualquier hogar, delimitado aún más por espacios, que se definen y subdividen, separados por puertas o ventanas a la realidad inmutable, donde yacen los objetos, que al trascurrir el tiempo son presente, y también fueron vivo pasado, pero son ausencia perceptible; de no ser así en su extrañeza, no habitarían los recuerdos, la voz, la música, la mañana soleada con su agua fresca tomando aliento reconocible, allá en la huerta de San Vicente, donde habitó Federico -hoy no presente-, y que en la memoria persiste, siendo esta sencilla alegoría callada pero viva, frente al intento de vaciado, que es la desmemoria (se efectúa una mudanza, un traslado, los operarios con cuidado embalan muebles, el piano, la loza, un cuadro pintado). La ausencia de los ausentes tiene voz, su propia voz, la del pueblo. |
Ficha técnica:
Director: Pere Portabella
Guión: Pere Portabella
Ayudante Dirección: Jordi Vidal Amorós
Director Fotografía: Elisabeth Prandi
Ayudante Cámara: Jaume Avizanda
Steadycam: Joan Morató
Jefe Sonido: Albert Manera
Ayudante Sonido: Biel Cabré
Mezclas Sonido: Ricard Casals / España, 2008
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Singularidades de una mujer rubia de Manoel de Oliveira
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Puede que si narras tu historia a un desconocido, su actitud –como receptora-, difiera, quizás con cierta atención, en contraposición, si el interlocutor se trata de un amigo o tu mujer. Reinterpretemos, por tanto, este eco dictado a través de una voz en off, con toda probabilidad la del narrador-director omnisciente, conocedor de antemano de la historia que desconocemos (aunque es más sensato apoyarnos en D H Lawrence, porque lo importante es el cuento y no el que lo narra), como génesis consustancial del relato, que a continuación a de relatar Macario, en el interior de un vagón de tren, a una desconocida viajera por la ruta de Algarve.
Se trata pues de una historia de Amour Fou, asumida desde la contención formal (Luisa que con sus manos mueve preciosamente y de manera sensual un abanico oriental, aparece asomada a un ventanal, resituado éste como un encuadre, que anuncia secretos, más bien enigmas escondidos –a modo de indicios-, que frente al despacho de Macario, se perciben como parte de una atracción amorosa), sin que por ello no asuma las dificultades y sus graves requiebros -un tanto relativizados-, a través de puntuales y certeras elipsis narrativas bien situadas, que al tiempo agilizan el relato moral, y marcan las direcciones de una fábula mínima, pero decimonónica de Eca de Queirós –adaptada por el propio Oliveira-, despojada de todo boato literario al uso, pero nunca exenta de conocimiento (tanto en la escena del círculo literario, como en casa del notario, donde la Historia, una pieza de Debussy, un poema recitado de Pessoa, se adecuan a lo narrado), intrínseco a la propia historia dentro de la historia, aunque su puesta en escena teatral y sus planos secuencia largos alojan además un comportamiento hierático de personajes, cuyo espíritu, pueda en primera instancia, parecer un tanto ligero y vaciado de expresión, así mismo anacrónico, pues puede ocurrir una sensación de extrañeza incluso temporal -porque se nos remite a una situación actual, pero esta obedece a condiciones sociales, puede que antiguas, pero que existen como ficción-, que nos va derivando hacia un final frustrante –el de los dos amantes-, inesperado por irónico, tan frágil como efímero y fatalista. Solo queda una mujer abandonada, pura carnalidad, sentada en un sofá con las piernas abiertas, dejando expulsar su enfermedad.
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Ficha técnica:
Dirección y guión. Manoel de OliveiraFotografía Sabine Lancelin
Montaje: Manoel de Oliveira, Catherinne Krassovsky
Intérpretes: Ricardo Trépa,Diogo Dória,Catarina Wallenstein
Portugal, España, Francia 2009
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La cinta Blanca de Michael Haneke |
Blanco y negro, negro sobre blanco o blanco sobre negro, difícil determinación, puede que ambigua existencia, donde se desenvuelve la maldad que nos inquieta (la iluminación en blanco y negro de Christian Berger procede de esta intención), como un humus cierto o incierto –aparente y bondadoso- que se inocula, es más misteriosamente nos agita, obligándonos a seguir mirando, hasta irse poco a poco quebrando nuestra conciencia moral, sin saber cómo, sin querer saber la verdad, tapándonos los ojos y lo oídos, hipnotizados, mientras los crímenes y el desorden dentro del orden –del nuevo orden- imperan violentamente –incluso hacia el exterminio-, generando superhombres, que anticipan la legalidad –cómo bordearla- a la justicia.
Sobre una pantalla en negro, surge la voz en off de un narrador que va desgranando su relato –durante el transcurso del mismo entra y sale intermitentemente-, y que se va iluminado mostrando una primera imagen, por lo que surgen dos factores intrínsecos dentro de la estructura del relato, por un lado el desarrollo narrativo interno de los hechos -es decir la diégesis- y por otro una evocación conjugada desde el futuro, lo que convierte la cinta en un largo flashback elíptico y geométrico.
Esta consideración permite al realizador austriaco, distanciarse en lo posible –puede que a la manera brechtiana-, enfriando la dramaturgia, para sí de esta manera procurar agitar la conciencia del espectador, sugiriendo milimétricos encuadres (planos secuencia) hasta conseguir composiciones pictóricas hiperrealistas, el uso del fuera de campo (sugerir, no mostrar) que bien vale grandes silencios, suponiendo una visualización trasparente, a la vez que quirúrgica, donde los acontecimientos pueden llegar a escaparse (desde el principio se nos advierte, es decir, el narrador no conoce todos los misterios, no puede responder a ciertos interrogantes, se muestra incapaz), abriéndose a una multiplicidad de lecturas.
El color blanco denota pureza –infantil-, pero al mismo tiempo interviene la rectitud de los adultos. El negro, sin embargo, supone el luto, también los misterios, bajo el paraguas del orden, que radica dentro de una apariencia moral, donde el miedo y su ley imperan en la conducta de los sometidos y sus sádicas, a posteriori, consecuencias ejercidas sobre los más débiles, dentro de una sociedad parcelada (el Barón, la iglesia, la policía –la ley-, la educación, el médico, el administrador), cuya jerarquía vertical genera hostilidad sobre las clases oprimidas (campesinas).
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Ficha técnica:
Director: Michael Haneke
Guión: Michael Haneke
Asesor de guión: Jean-Claude Carrière
Fotografía: Christian Berger
Montaje: Monika Willi
Sonido: Guillaume Sciama y Jean-Pierre Laforce
Intérpretes: Ernst Jacobi, Leonie Benesch, Ulrich Tukur, Ursina Lardi
Austria, Alemania, 2009
Palma de Oro y Premio Fipresci Cannes 2009
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La mujer sin piano de Javier Rebollo
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Qué es la vida, sino la banalidad reiterativa del paso del tiempo y su existencia, vaciada por el absurdo, cuyo extraño punto de inflexión incurre dentro de los parámetros de la estructura aristotélica negada, renunciando al sujeto, verbo y predicado; y solo desde ahí levantar el relato a partir de lo ínfimo, de lo insustancial, de lo aparentemente trascendente, que sin saber tiende a ser otro yo en plena fuga (la huída nocturna de Rosa disfrazada, contenida por otra parte interpretación de Carmen Machi), un deambular nocturno hacia alguna parte, que es hacia ninguna parte en realidad -pues tampoco este parece cierto, más bien onírico-, aunque no se descartan posibilidades, mil y una (el encuentro con el inmigrante polaco), que dan a la protagonista potencialidad máxima en el discurrir de su viaje, pero la decepción -o no- probable no oculta volver al principio, a la cotidiana sinfonía sorda del ruido, siempre interrogante.
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Ficha técnica:
Dirección: Javier Rebollo
Guión: Lola Mayo y Javier Rebollo
Montaje: Ángel González Zoído
Fotografía: Santiago Racaj
Intérpretes: Carmen Machi,Jan Budar,Pep Ricart,Cruz López-Cortón,Nadia de Santiago,Esperanza de la Vega,Victoria Sáez,Isabelle Stoffel ,Tomás del Estal ,Myrian Marine
Mejor Director Festival de San Sebastián 2009. España 2009
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Shutter island de Martin Scorsese
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Los objetos quedaban descompuestos en facetas - cada una de las caras o lados de un poliedro, cuando son pequeñas-, hasta el punto de ser irreconocibles. Sobre este planteamiento reza el discurso planteado por Georges Braque en su concepto sobre el cubismo analítico, lo que así mismo como idea viene a asimilarse, reinterpretándose más tarde, dentro de este complejo y turbulento, hasta onírico, poliedro kafkiano, que es Shutter Island (adaptación de un texto de Dennis Lehane), donde lo fantasmagórico (el miedo) irrumpe en la realidad, girando alrededor del concepto de presunción, siempre tergiversado; presuntos culpables, presuntos inocentes (la iluminación juega con el claroscuro, es decir el uso de contrates fuertes entre volúmenes iluminados y los ensombrecidos del cuadro, para destacar más efectivamente algunos elementos, cito como definición artística, que así mismo afecta a la composición sonora), narrado desde la frontera que transita entre la realidad y la locura y viceversa.
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Ficha técnica:
Director: Martin Scorsese
Guión: Laeta Kalogridis, basado en la novela homónima de Dennis Lehane
Fotografía: Robert Richardson
Montaje: Thelma Schoonmaker
Diseño de Producción: Dante Ferretti
Dirección Artística: Max Biscoe, Robert Guerra y Christina Ann Wilson
Intérpretes: Leonardo Dicaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Max Von Sydow
EEUU, 2010
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I´m not there de Todd Haynes
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Hasta donde llega el mito, aún nadie lo sabe, se especula la leyenda bajo seis digresiones -hasta seis personajes- que viajan en viejos trenes de un lado a otro -como en una inacabable gira por el mundo- y una y otra vez la vida trae otro viaje y otro, y así ya tantas veces la carretera, algo tiene que ver, son aproximaciones, rescoldos conocidos, más bien aproximativos, reinterpretados también (reconstrucción de imágenes de archivo, reelaboración de portadas de discos, hasta de imágenes de archivo y destellos que fueron conciertos); pero todos ellos, esas seis caras son sin duda Dylan, y no es un biopic, ni siquiera al uso, no es una hagiografía, más bien es un misterio ambiguo, siendo abstracto y caleidoscópico y visceral hasta el intelecto, pero al mismo tiempo extrañamente equívoco, sin dejar de ser una leyenda encerrada en un poliedro donde armonizar imagen y música sin entorpecerse -de Dylan u otros o los otros, y además textos, hipertextos, notas al pie; puede que de página o de pantalla-, eternidad y solemnidad e impostura, además fragilidad, desmesura, autodestrucción y estrellato y fuga, y reaparición (reinvención), y demás máscaras donde esconder la personalidad, sin dejar por un momento de ser creativo, y aún así tras el viaje seguimos desconociendo al personaje, solo ironías, quizás ni tan solo el destino, una y otra vez viajando hasta la eternidad eterna, I´m not there.
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Ficha técnica:
Dirección: Todd Haynes
Guión: Todd Haynes y Oren Moverman
Producción: John Goldwyn, Jeff Rosen, James D. Stern y Christine Vachon
Dirección de fotografía: Edward Lachman
Música: Bob Dylan
Intérpretes: Christian Bale, Cate Blanchett, Marcus Carl Franklin, Richard Gere, Heath Ledger, Ben Whishaw
Estados Unidos y Alemania/2007
Premio especial del jurado, Copa Volpi mejor actriz –Cate Blanchett- en el festival de Venecia de 2007
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Un Profeta de Jacques Audiard
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Si atendemos a la tradición noir francesa, sería posible añadir a Audiard, quizás sus personajes nada se dicen como encorsetados en espacios, sino que se desenvuelven frenéticamente dentro de aguas turbulentas, en cuyos argumentos, quizás entrecruzándose múltiples, pero elípticas líneas narrativas (reafirmadas por un férreo, pero ágil montaje milimétrico). Una de esas opciones sería de fácil; puede que previsible, no por menos limitada identificación, que descansa en un proceso gradual de iniciación y ascenso (Malik), otro podría ser el de dominio y caída (César), ajenos a replanteamientos morales, sólo de acción, lo que además podría desplazar el epicentro de la atención, la decadencia del poder de los corsos, y el posterior nacimiento de un nuevo tipo de delincuencia organizada nacida de este, pero quizás con nuevas y viejas también normas (mafia magrebí), pero desde este posicionamiento último viene narrada la historia, que sigue estrechamente los pasos del protagonista (un tanto inocente al principio), sin abandonarlo. Otra de esas posibilidades nunca ajena a Malik, radica entre los muros de la prisión, como metáfora social, proyectada también como lógica continuación de aprendizaje en el exterior, pero inherente a esta una edificación de los lazos de filiación y camaradería -hasta extrañamente onírica-, sin distanciarse de un tono hiperrealista, tanto en su puesta en escena, como en la utilización dramática de las posibilidades del sonido.
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Ficha técnica:
Dirección: Jacques Audiard
Guión: Jacques Audiard, Thomas Bidegain, Abdel Raouf Dafri y Nicolas Peufaillit
Producción: Martine Cassinelli, Lauranne Bourrachot y Marco Cherqui
Dirección de fotografía: Stéphane Fontaine
Música: Alexandre Desplat
Intérpretes. Tahar Rahim, Niels Arestrup, Adel Bencherif, Gilles Cohen, Pascal Henault, Reda Kateb, Sonia Hell, Salem Kali, Hichem Yacoubi
País: Francia /2009
Gran Premio del Jurado Cannes 2009
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En tierra hostil de Kathryn Bigelow
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Quizás planee- solo en apariencia- la sombra de aquel sargento - interpretado por Lee Marvin en la película de Samuel Fuller; Uno rojo, división de choque-, que es alargada sin duda, entre los resquicios de los personajes, que pululan por la reciente cinta de la realizadora Kathryn Bigelow. Marcianos (compañeros) que se necesitan día a día, sino son sustituidos como piezas de recambio si no sobreviven (set pieces), desprovistos de alma cuando están en acción, en realidad adolescentes imberbes y adiestrados, que juegan (como protagonistas de videojuego) a ser artificieros perdidos en un terreno hostil -como reza el título en español-, casi lunar -también lunático-, a demasiados kilómetros de distancia, actuando como maquinas movidas por el patrioterismo de la adrenalina que ofrece el combate, sin otra misión que la inutilidad de lo útil –desactivar bombas-, en una guerra confeccionada desde arriba, sin preguntas – no existen posicionamientos ideológicos-, cuanto menos respuestas, contra un enemigo creado, al que ahora hay que combatir, sin preguntarse cómo, cuando y donde, sino el deber de la maquina frente a un entorno -irreal puede, pero hiriente-
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Ficha técnica:
Dirección: Kathryn Bigelow
Guión: Mark Boal
Producción: Kathryn Bigelow, Mark Boal, Nicolas Chartier y Greg Shapiro
Dirección de fotografía: Barry Ackroyd
Música: Marco Beltrami
Intérpretes: Jeremy Renner, Anthony Mackie, Brian Geraghty
País: Estados Unidos / 2008
6 Oscars
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HOMENAJE A MIGUEL DELIBES |
Los Santos inocentes de Mario Camus
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En tiempos oscuros, en la caverna, no dejastes nunca de ser la luz, la luz de los desheredados, la luz de Castilla, la luz de esta envidiosa España. Ese es el mejor premio nobel, gracias
El éxito sin precedentes de La Colmena, uno de los trabajos más emblemáticos de su filmografía, ciertamente aclamado por crítica y público, y que se vio doblemente recompensado bajo los auspicios del propio autor literario de la novela original. A pesar de la complejidad narrativa que ofrecía el texto, el cineasta libremente trató de ajustarse fidedignamente al contenido y el espíritu del mismo.
Años más tarde, siendo subvencionado por la Ley Miró, decide rodar una de las propuestas más personales y logradas. Siguiendo los caminos de la novela realista de Postguerra, ya iniciados anteriormente, logra escribir junto con Manuel Matji y Antonio Larreta, el guión de Los Santos inocentes, basándose en la novela homónima de Miguel Delibes.
La cinta que nos ocupa, se plantea narrativamente por capítulos (en el texto literario original no costa ningún elemento narrativo, en presente, sobre que ha sido de la vida de los personajes y sus vidas, solo es una excusa o un añadido para narrar, desde su punto de vista, el pasado), al igual que la novela original, sin embargo Camus, cinematográficamente recurre al flashback para describir meticulosamente este drama rural in crescendo, rodado íntegramente en exteriores - la acción se desarrolla en una dehesa extremeña-, donde la naturaleza y los cambios climáticos, sugerentes elementos narrativos, condicionan visiblemente a los personajes y sus acciones (como los cambios psicológicos de los mismos).
Camus consiguió con esta cinta una justa recompensa profesional. Todo un profundo estudio literario del universo del autor vallisoletano. Debemos resaltar, así mismo, un estupendo reparto extraordinariamente dirigido, destacan por sí mismas las interpretaciones de Terele Pavez, Alfredo Landa y Paco Rabal, la inquietante banda sonora de Antón García Abril (que marca los crescendos dramáticos, al tiempo que permite enlazar temporalmente las elipsis narrativas, y separar un capítulo de otro) y la realista fotografía de Hans Burmann, en una de las mejoras cintas de cine español.
Delibes narrativamente hablando, sorprendió al lector común con una de las novelas, técnicamente mejor narrada de la literatura en español. Pese a su argumento netamente clásico, denostado por algunos críticos voraces, la originalidad y la naturaleza de este texto viene marcado por un léxico genuinamente rural, incomprensible por otra parte para el hombre de costumbre urbanas. De nuevo la pasión por el campo y la caza, unido a su especial cariño hacia el campesinado (los desheredados), se sitúan como elementos narrativos, tales que, entran absolutamente en constante conflicto con el progreso degradante. Partiendo entonces de tales premisas, el novelista vallisoletano enfrenta tangencialmente a dos clases sociales plenamente diferenciadas –una valla metálica que separa la casa de los señores marqueses, de la choza de Paco El Bajo es todo un símbolo- Ofensores y ofendidos (la disección social es aún más compleja y piramidal, todos son conscientes de su clase, los ofendidos no se rebelan sino que asienten y se plegan, aunque son orgullosos entre los suyos, a las decisiones de los superiores, incluso de aquellos que se hallan en situación intermedia entre el señorito y los campesinos, este es el caso del capataz)
Precisamente la naturaleza física, socioeconómica, y emocional, elementos dinámicos indispensables en toda novela de Delibes –es decir el campo-, sitúan sistemáticamente este drama enfrentado. Atendiendo a esta cuestión, la psicología de cada personaje se asocia con los cambios de la naturaleza. Sin embargo, inteligentemente, el escritor da un paso adelante, y utiliza como brazo ejecutor a Azarías, desenlace fatal de la historia –la naturaleza más inocente-, el personaje siempre ofendido y más débil junto con la Niña Chica, quien asesina al repudiable señorito Iván, relegando a segundo término a personajes con mayor motivo de odio como Quirce o Paco el Bajo, hasta incluso el capataz. |
Ficha técnica:
Director. Mario Camus
Guión: Mario Camus, Manuel Matji, Antonio Larreta
Fotografía: Hans Burmann
Música: Antón García Abril
Montaje: José María Biurrún
Dirección Artística: Rafael Palmero
Intérpretes: Alfredo Landa, Paco Rabal, Terele Pavez, Juan Diego, Agustín González
España 1984
Mejor interpretación masculina del festival de Cannes de 1984 para Paco Rabal y Alfredo Landa
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Vivat
Academia, revista académica y de investigación del grupo CONCILIUM (Universidad
Complutense de Madrid).
REDACCIÓN
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Copyright © 1999 Vivat Academia. ISSN:
1575-2844. Año XI. Nº 108. Septiembre 2009.
Última modificación: 28-05-2009 |
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